Как банка с супом стала шедевром: пять фактов о поп-арте из музея ИЗО

В Архангельск привезли выставку «Поп-арт» — это одно из самых скандальных направлений в искусстве. «Как можно увидеть в жестянке от колы художественную ценность?» — возмущаются одни. «Это революция форм, сюжетов и техник!» — спорят другие. Безумие или философское направление? Живопись или обычная реклама? Псевдокультура или нонконформизм? На поле брани — любители Энди Уорхола и других поп-художников против ценителей традиционной живописи.

Каждую весну Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера» устраивает в залах музея изобразительных искусств настоящую провокацию — здесь горожане знакомятся с самыми яркими, неординарными, противоречивыми течениями в искусстве ХХ века. На этот раз в музей заглянула выставка работ поп-художников, среди которых Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Энди Уорхол, Роберт Индиана, Джеймс Розенквист.

Поп-арт обращался к образам, которые наводнили жизнь людей в середине двадцатого столетия: комиксам, гамбургерам, знаменитостям, холодильникам, кока-коле, автомобилям, политическим деятелям, туфлям... Как говорил один из самых ярких представителей этого направления — художник Энди Уорхол — в центре оказались те классные современные вещи, которые так усердно не хотело замечать абстрактное искусство.

— Не было в истории искусства ни одного течения, которое воспринималось бы всеми с радостью и без критики. Так же как и поп-художников в обществе поначалу не воспринимали импрессионистов, авангардистов, над ними смеялись, но спустя время они стали классиками — сегодня арт-критики зовут поп-арт новым реализмом. Искусство это или провокация? Как бы то ни было, направление оказало влияние на развитие человечества ХХ века и до сих пор оказывает влияние, — считает куратор выставки Валерия Зиновьева. — Кстати, поп-арт зародился не в Америке, а в Англии, и в 1956 году была организована первая выставка «Завтра уже наступило». При этом представители течения не особенно интересовались будущим, им интересно было только то, что происходит прямо сейчас.

В общей сложности вниманию публики представлено около 80 произведений. Работы, представленные на выставке, выполнены в различных техниках: здесь и графика, и афиши, и постеры, и объекты, собранные от частных коллекционеров и галерей.

Энди Уорхол — художник, о котором слышали, пожалуй, все, и при этом он остался загадкой и для своего поколения, и для последователей. Часто на вечеринки, где его ждали, чтобы, наконец, познакомиться, вместо себя он отправлял двойников — в типичном для него парике и очках, то есть тиражировал себя самого.

Начиная с 1962 года, он много работал с шелкографией. Архангелогородцы могут увидеть его серию Sunday B. Morning (1985): портреты Мэрилин, Банки супа «Кэмпбелл», Цветы. Каждая работа на обороте вместо традиционной подписи имеет шутливый синий штамп автора «Fill in your own signature».

Эту картину Уорхол нарисовал спустя неделю после смерти популярной актрисы. Мэрлин Монро будто рисовал дальтоник — цвета использованы неоновые, контрастные, они смазаны, и ее даже сложно узнать. Считается, что Уорхол первый, кто выпустил в массы новый образ Монро, до которого был только один — секс-символ Америки. По популярности эту работу многие приравнивают к Джоконде. Кстати, на выставке вы тоже можете найти Мона Лизу, только в исполнении архангельского автора — Артема Хазанова.

— Что касается популярной банки супа «Кэмпбелл», во времена Уохола стоила несколько центов, однако после такого пиара ее покупали люди за сотни долларов, — отмечает Валерия Зиновьева. — На Уорхола ходили толпами, не столько ради его картин — образ самого художника, его персона стала символом в искусстве. Когда речь идет о поп-арте, все обычно вспоминают Уорхола, однако отцом направления считается Роберт Раушенберг. Он первый, кто обратился к массовому, и стер грани высокого искусства. И он первый из художников, кто посетил СССР в восьмидесятые, был поражен узбекским шелком и часто внедрял его как фактуру в свои произведения.

Кроме Раушенберга в музее ИЗО также можно увидеть работы и таких художников, как Джеймс Розенквист или Роберт Индиана, они представлены как в оригинальных выполненных художниками и подписных литографиях, так и в афишах и плакатах, поскольку основная идея выставки в том, чтобы рассказать историю поп-арта и сделать это максимально полно.

Также на выставке выставлена работа Мела Рамоса, выполненная в период, когда он увлекся техникой эмали. Она сделана художником на металлической пластине и подписана. Собранная коллекция — это плод более чем полуторалетних переговоров с коллекционерами и галереями. Некоторые доступные для нас плакаты и афиши приобретались в европейских и американских галереях и на аукционах.

Еще один представитель поп-арта — Рой Лихтенштейн, который считал, это направление должно быть понятно всем, — объектами произведений становятся те предметы, которые окружают каждого человека. Этим художникам хотелось сделать искусство ближе к реальности и современности. Лихтенштейн, к примеру, рисовал комиксы, при этом ему интересны были не фантастические сюжеты, а философия жизни. Он считал, что все идеи высокого искусства могут быть переданы в простой графике тиражированных образов. Например, знаменитая работа с несчастной брошенной девушкой, которая держит в руках телефонную трубку — рисунок выполнялся на огромном холсте, затем делался печатный оттиск, цвета использовались машинные — яркие, шрифты — типографские. Так автор добивался, чтобы работа выглядела так, словно только что вышла из-под станка. Говорят, растровые точки на его картинах делала целая команда помощников.

— Чтобы создавать такие божественные работы, какие делали Микеланджело, Рафаэль, Леонардо да Винчи, — отмечает куратор выставки Ольга Кулешова. — Нужно было как эти художники жить в гармонии с миром, находиться в полнейшем комфорте с природой и обществом. Эти художники верили, что мир необычайно красив, таким его и рисовали. Почему после них появился другой взгляд? Верят ли наши современники, что мир гармоничен, особенно после криминальной сводки по телевизору? Есть у людей такое же понимание божественной гармонии? Нет. Современники Леонардо да Винчи были очарованы миром. Его Мона Лиза улыбается, потому что ее мир прекрасен. Или давайте вспомним статую Давида — никто из натурщиков сегодня не сможет стоять также. Для нас эта поза неудобна. А для человека той эпохи — раскрепощение. Современного человека от Давида отличает зажатость.

Что остается неизменным во все времена — восторг художника перед женской красотой. Сегодня на нас влияет масс-культура, телевидение, интернет, но некоторые вещи остаются непреклонными: это любовь, мужчина всегда будет восхищаться женщиной вне зависимости от направлений в искусстве, моды и политических перемен. Так будет всегда.